Workshops

Le Printemps à la Poêle
du 17 au 21 mai 2021

5 jours d’exploration intensive en mouvement, musicalité, processus et communauté

Prix*
Intensif complet (5 jours) : 450$
Matinées + Boîte à outils rhythmique pour danseurs (5 jours) : 250$
*Aucun “drop-in”

Maximum de 8 personnes, la préférence étant donnée aux participants à l’atelier complet

Informations, inscription et paiement : lapoele307@gmail.com

HORAIRE

LundiMardiMercrediJeudiVendredi
8h30Qi Gong Continuum Qi Gong Continuum Qi Gong
9h45OSF FightingOSF FightingOSF
11h00AT MonkeyAT MonkeyAT
12h00LUNCH
13h30Rythme Rythme Rythme Rythme Rythme
14h45Processus ProcessusProcessusProcessusProcessus
créatifcréatifcréatifcréatifcréatif
17h45PAUSE
19h00Off_ScriptOff_ScriptOff_Script

BIOS ET DESCRIPTIONS DE COURS

DAVID RANCOURT – Qi Gong
David Rancourt est un artiste en danse établi à Montréal depuis 1999. Depuis le début de sa carrière, il s’est illustré dans une cinquantaine de productions de créateurs diverses. Aujourd’hui, il alterne les rôles de chorégraphe, d’interprète, d’enseignant, de directeur de répétitions, d’œil extérieur et de directeur artistique. Il affine ainsi la coordination des éléments humains, artistiques et techniques propre au travail créatif. Il pratique le Qi Gong auprès de Marie-Claude Rodrigue et de l’équipe de Fragments Libres depuis de nombreuses années.  Il trouve dans cette pratique millénaire un endroit où évoluer humainement, physiquement, émotionnellement et spirituellement. « À titre de créateur, j’estime que le geste sensible de l’artiste est politique. Je tente d’incarner le changement que j’aimerais voir dans ce monde. » 

Dans ce cours matinal de Qi Gong (travail d’énergie) d’une heure, l’intention première sera d’éveiller gentiment le corps sensible. Par l’auto-massage, l’attention portée à notre respiration, des mouvements doux et fluides, de la méditation et de la relaxation, le participant sera invité à rencontrer «sa vibration» du moment. C’est-à-dire qu’au moment de la pratique, nous nous exerçons, par les différentes indications, à laisser dialoguer nos corps physique, émotionnel, mental et spirituel. Simplement, avec engagement, curiosité et légèreté à la fois nous travaillons à nous aligner avec le moment présent; corps-coeur-esprit (les 3 trésors).

David Rancourt is a dance artist established in Montreal since 1999. Since the start of his career, he has distinguished himself in some fifty productions by various creators. Today, he alternates between the roles of choreographer, performer, teacher, rehearsal director, outside eye and artistic director. He thus refines the coordination of human, artistic and technical elements specific to creative work. He has been practicing Qi Gong with Marie-Claude Rodrigue and the Fragments Libres team for many years. He finds in this ancient practice a place to evolve humanely, physically, emotionally and spiritually. “As a creator, I consider the artist’s sensitive gesture to be political. I try to be the change I would like to see in this world. “

In this 1 hour morning Qi Gong (energy work) class, the primary intention will be to gently awaken the sensitive body. Through self-massage, attention to our breathing, soft and fluid movements, meditation and relaxation the participant will be invited to meet “his vibration” of the moment. That is to say that at the time of practice, we practice, through the different indications, to let our physical, emotional, mental and spiritual bodies dialogue. Simply, with commitment, curiosity and lightness at the same time we work to align ourselves with the present moment; body-heart-mind (the 3 treasures).

LINDA RABIN – Continuum
Linda Rabin intègre plus de 50 ans d’expérience en danse, enseignement, coaching et direction à sa pratique d’aujourd’hui. Pionnière de la danse au Canada, co-fondatrice de L’école de danse contemporaine de Montréal (anciennement LADMMI), Linda a contribué à l’émergence de plusieurs générations de danseurs au pays. En tant qu’enseignante d’éducation somatique, elle accompagne des artistes et des individus de tous les milieux dans un cheminement favorisant la réalisation de leur processus de création personnel, sur scène comme dans la vie quotidienne. Le Continuum demeure au cœur de sa pratique d’aujourd’hui mais Linda puise continuellement dans la richesse de son parcours, à travers la danse, le théâtre, le Body-Mind Centering® et d’autres études somatiques. https://lindarabin.com/biographie-linda-rabin/

Continuum : Du souffle et de la fluidité
Au cours de ces deux séances matinales du Continuum, nous attirons l’attention sur nous même en tant qu’organisme vivant, respirant et en mouvement. Le processus commence par des respirations et sons, stimulant ainsi les mouvements fluides qui nous composent. Nous sommes invités à bouger comme l’eau, à travers ondulations, spirales, pulsations, étalements… Lorsque nous attirons l’attention au ressenti et aux mouvements fluides internes qui émergent, comment cela influence-t-il notre perception du mouvement ? Comment cela influence-t-il notre pratique professionnelle et notre vie personnelle ? Le mouvement est ce que nous sommes et non seulement ce que nous faisons. 

Linda Rabin brings to her teaching more than 50 years of experience in dance, movement education, coaching and directing. As a Canadian dance pioneer, and co-founder of L’école de danse contemporaine de Montréal (formerly known as LADMMI), Linda has contributed to the emergence of several generations of dancers in this country. As a somatic practitioner, she facilitates individuals and professional artists to realize their personal, creative and performance processes.  While Linda draws upon her background in dance, theater, Body-Mind Centering® and other somatic studies, Continuum dwells at the heart of her practice today.  http://lindarabin.com/bio/

Continuum: On Breath and Being Fluid
In these two morning Continuum sessions we will bring attention to our ourselves as a living, breathing, moving organism. The process begins with some breaths and sounds, thus stimulating the fluid movements of which we are composed. We invite ourselves to move like water, movements such as, undulations, spirals, pulsations, spreading… . As we attend to the internal felt-sensations and fluid movements that emerge, how does this inform our perception of movement? How does this inform how we engage in our professional practice and personal lives? Movement is what we are and not just something we do. 

ALANNA KRAAIJEVELDInspire by Fighting Monkey 
Alanna Kraaijeveld est une artiste en danse contemporaine.  Son approche à la pratique du mouvement et de la performance est centrée sur des pratiques ancrées dans le contexte et la collaboration. Kraaijeveld a plus de 15 ans d’expérience et continue d’être une collaboratrice recherchée dans le milieu des arts de la scène. Parmi ses nombreuses collaborations, elle a effectué une tournée internationale avec Dave St-Pierre et, de 2004 à 2008, elle a été danseuse de la compagnie Le Groupe Dance Lab sous la direction artistique de Peter Boneham.  Depuis 2015, Kraaijeveld est une élève de Linda Kapetanea et Jozef Frucek, développeurs de Fighting Monkey Practice. Elle est titulaire d’une maîtrise en pédagogie de la danse et enseigne dans des institutions et des organismes au Canada, en Europe et aux États-Unis.  Elle représente Fighting Monkey en tant qu’enseignante *Inspire by FM.  

Le cours propose des danses et tâches formelles qui examinent et testent les possibilités physiques et créatives. Ces danses mettent le.la participant.e en rencontre continue avec quelque chose extérieur à soi – un objet, une forme, un concept, un contexte – et d’observer, de réfléchir et d’intégrer le feedback à travers la pratique. Chaque danse présente un cadre rigoureux pour stimuler la créativité, l’adaptabilité, la conscience, la puissance et la douceur. Des éléments fondamentaux de la pratique du Fighting Monkey seront proposés, tels que les formes zéro FM, les outils abstraits FM et les coordinations FM.  Le jeu, la résolution de problèmes et la créativité soutiendront l’examen de la relation entre l’individu et d’autres objets et contraintes dans des environnements imprévisibles.  De nouvelles voies pour apprendre, comprendre et définir ce qui est important seront privilégiées, et chaque participant.e est invité.e à prendre la responsabilité de son apprentissage et de son travail individuel.le. 

Alanna Kraaijeveld is a contemporary dance artist.  Her approach to movement practice and performance is centered on context-driven, collaborative practices. Kraaijeveld has over 15 years experience and continues to be a sought-after collaborator in the performing arts milieu. Among her many collaborations, she toured internationally with Dave St-Pierre and from 2004-2008 she was a company dancer of Le Groupe Dance Lab under the artistic direction of Peter Boneham.  Since 2015, Kraaijeveld is a student of Linda Kapetanea and Jozef Frucek, developers of Fighting Monkey Practice. She has a Master of Arts degree in Dance Pedagogy and has taught at institutions and organizations across Canada, in Europe, and the United States.  She represents Fighting Monkey as an *Inspire by FM instructor.  

Class is comprised of form and task-based dances that examine and test physical and creative possibilities. These dances ask the participant to continuously meet something outside of themselves – an object, form, concept, context – and observe, reflect, and integrate feedback through practice. Each dance presents a rigorous framework to stimulate creativity, adaptability, awareness, power and softness. Foundational elements from Fighting Monkey Practice will be offered, namely FM Zero Forms, FM Abstract Tools, and FM Coordinations.  Elaborations based on Kraaijeveld’s research, improvisation and performance experience will be included. Play, problem solving, and creativity will support examination of relationship between the individual and other objects and stresses in unpredictable environments.  New pathways to learn, understand, and to define what is important will be prioritized, and each participant is expected to take responsibility for individual learning and work given this imperative. 

RAINER WIENS – Dancer’s Rhythm Toolbox
Rainer Wiens est l’un des plus grands guitaristes créatifs au Canada. Reconnu également pour sa profonde compréhension du rythme et son imagination sonore, son travail en composition improvisée s’inspire des puits profonds des traditions africaines du piano à pouce, des abstractions de guitare préparées et de l’interaction de groupe du jazz. Vétéran respecté de la musique créative, Rainer collabore depuis longtemps avec Malcolm Goldstein, Jean Derome et Thom Gossage, et a parcouru le monde à la recherche de nouveaux sons, collaborant avec des musiciens et des danseurs partout dans le monde.

Boîte à outils rythmique pour danseurs est un atelier sur les approches rythmiques du mouvement créé pour les artistes de la danse. Aucune formation musicale préalable n’est requise. Nous commençons par des exercices de base, qui permettront aux participants de trouver des moyens de sortir des clichés rythmiques et physiques. Nous travaillerons avec des jeux modifiés de frappe et de pas d’enfants, qui permettent de bouger, de jouer et d’apprendre la précision. Nous partirons de motifs simples pour créer des improvisations riches, en utilisant des points de départ variés. Nous travaillerons également avec l’utilisation du souffle comme déterminant de la vitesse et de la longueur des phrases. Le but est de proposer quelques outils pour permettre à tou.te.s de creuser plus loin, à sa façon.

Over the last thirty years Rainer Wiens has developed a completely singular and original language for the electric guitar. He has composed music for dance, theater, television, and film.  His published works are in the permanent collection of New York City’s Museum of Modern Art. During the ’80s Wiens appeared in performances across Canada and in Europe with his jazz group, Silk Stockings. He co-founded the award-winning Sound Image Theatre, with Jan Komarek, and his chamber opera Down Here On Earth, was performed to great acclaim in Toronto and Montreal. 

Dancer’s Rhythm Toolbox is a workshop on rhythmic approaches to movement created for dancers and choreographers. No previous music training is required. We start with basic exercises that will allow participants to find ways out of rhythmic and movement clichés. We will work with modified children’s clapping and stepping games, which allow one to move, play and to learn precision. We will learn how simple patterns can create multilayered choreographies or improvisations, by using varied starting points, and how to create movement patterns that seem disconnected from each other at first, but then meld in and out of surprise unisons. We will also work with breath as a determinant of phrase speed and length. The goal of this introduction to rhythm is to give everyone the tools to go deeper, into this world on their own.

SARAH BILD – Action Theater™ et Processus créatif
Sarah Bild, artiste de la danse, crée, enseigne et se produit à Montréal et à travers le Canada depuis plus de 25 ans. Sarah Bild suit un courant instinctif d’imagerie physique pour créer des œuvres de danse et d’improvisation profondément texturées et organiques. Par du mouvement viscéralement incarné, la voix et les mots, elle crée des œuvres visuellement impressionnantes qui soulèvent des questions sur notre présence humaine sur cette planète. Sa récente performance, She Wanted, a été jouée plus de 60 fois devant un public de deux personnes. Professeur certifiée d’Action Theater™, elle enseigne la composition à l’EDCM. 

Inspirée des notions d’Action Theater™, Sarah Bild nous guidera vers un éveil sensoriel du “body/mind” pour nous préparer à la pratique créative. En invitant la respiration et l’imagerie dans le soi physique, nous affinons notre intuition et honorons nos impulsions créatives. À travers une exploration personnelle en improvisation, nous explorons la relation complexe entre notre expérience physique, le mouvement que nous générons et sa relation aux autres dans l’espace et le temps.  

Sarah Bild, dance artist, has been creating, teaching and performing in Montreal and throughout Canada for the last 25 years. Sarah Bild follows an instinctual stream of physical imagery to create deeply textured and organic works of dance and improvisation. Through the use of viscerally embodied movement, voice and text, she creates visually impressive solo and group works that raise questions about our human presence on this planet. Her recent performance piece, She Wanted, played over 60 times to an audience of two. She teaches composition at l’EDCM and is a certified teacher of Action Theater™. 

Using improvisational methods from Action Theater™, Sarah Bild will guide us through sensory awakening of the body/mind to prepare us for creative practice. Inviting breath and imagery into the physical self, we will hone our intuition and honour our creative impulses. Through personal exploration in improvisation we will explore the complex relationship between our physical experience, the movement we generate and its relation to others in space and time.  

SUSANNA HOOD – Open Source Forms et Processus créatif
Susanna Hood est une artiste de la danse, musicienne et éducatrice basée à Montréal. Depuis plus de deux décennies, elle a consacré sa carrière à un travail de synthèse de la voix et du mouvement dans le cadre d’une pratique dynamique de création de performances intimes, sensuelles et à l’état brut, tant dans le contexte de la danse-théâtre que dans celui de la musique improvisée. Depuis 2004, Susanna enseigne l’improvisation, la composition et la synthèse de la voix et du mouvement dans diverses institutions et dans le cadre d’ateliers indépendants à travers le Canada et à l’international. Depuis 2012, Susanna est devenue formatrice d’enseignants en Open Source Forms (OSF), une pratique qui combine les principes de la méthode Skinner Releasing avec les pratiques variées et évolutives de ses enseignants. susannahood.ca/teaching

Ces trois cours de OSF s’appuient sur le matériel de base d’introduction canonique du travail “releasing”, développé de manière fluide par Stéphanie Skura à partir de la méthode Skinner Releasing Technique (SRT) de Joan Skinner, et puis adapté par Susanna pour répondre aux besoins spécifiques des participant.e.s. Les sessions favorisent l’apprentissage par l’expérience, en s’appuyant sur les modalités du (auto-)toucher, l’imagerie en état profond, des exercices axés sur l’alignement et structures d’improvisation. Si nous considérons les mots “Open”, “Source”  et “Form”  comme des verbes plutôt que des noms, nous pouvons aborder le cours comme une opportunité d’ouverture, de source ou de ressourcement, et de déformation pour se reformer ou trouver de nouvelles formes. De cette façon, notre cheminement suit un processus créatif qui nous prépare à accéder à des couches plus complexes de notre créativité tout au long de l’intensif.

Susanna Hood is a Montreal-based dance artist, musician and educator. For over two decades, she has devoted her career to synthesizing voice and movement within her dynamic practice, creating intimate, sensual and raw performances both in dance-theatre contexts as well as in the context of improvised music. Since 2004, Susanna has been teaching improvisation, composition, and voice and movement synthesis in various institutions and through independent workshops across Canada and internationally. Since 2012 Susanna has become a teacher trainer of Open Source Forms (OSF), a practice that combines the principles of Skinner Releasing method with the varied and developing practices of its teachers. susannahood.ca/teaching

These three  OSF classes will draw on the basic introductory-level canonical releasing material fluidly expanded from Joan Skinner’s Skinner Releasing Technique (SRT), further developed by Stephanie Skura and then adapted by Susanna to meet the specific needs of the participants. The sessions promote experiential learning, drawing on modalities of (self)touch, deep-state imagery, alignment-focused exercises, and scores for improvisation. If we consider Open, Source, and Form as verbs instead of nouns, we can approach the class as an opportunity for opening; sourcing or resourcing; and un-forming to reform or to find new forms. In this way, the work is made of the same stuff as creative process and prepares us to access more complex layers of our creativity throughout the intensive.

PROCESSUS CRÉATIF
Au cours de ces cinq cours de Processus Créatif co-animées par Sarah et Susanna, les participants seront guidés dans une pratique consistant à remarquer, soigner et suivre les impulsions créatives au fur et à mesure qu’elles se présentent,  ouvrant ainsi un dialogue entre l’expérience intérieure et la conscience extérieure. Nous développerons de courtes études, les partagerons avec le groupe et apprendrons à parler de ce que nous voyons.  Comment une impulsion en invite-t-elle une autre ? Comment  donnons-nous forme à ces impulsions ? Comment les incarner pour qu’elles s’expriment pleinement ? Comment les encadrer dans l’espace et le temps ? Voilà quelques questions que nous aborderons et viverons.

In these five Creative Process sessions co-facilitated by Sarah and Susanna, the participants will be guided  in a practice of noticing, tending to and following creative impulses as they arise, opening a dialogue between inner experience and outer awareness. We will develop short studies, share them with the group and learn to speak about what we see.  How does one impulse invite another? How do we give shape to those impulses? How do we embody them for full expression? How do we frame them in space and time? These are questions we will investigate and experience.

NINDY BANKS & LUCY M. MAY – Off_Script
Nindy Banks commence sa formation en hip hop en 2006 auprès de plusieurs des pionniers du hip-hop à  Montréal et aux États-Unis. De 2010 à 2014, elle danse pour la troupe de danse 24K [Ör Pür] dirigée par Cindy « GoldyLocks » McAuliffe. En 2015, elle complète son baccalauréat en danse contemporaine à l’UQAM. Elle s’entraîne également en krump grâce au mentorat de Vladimir “7Starr” Laurore. Elle se joint au collectif de krump 7*Skopez et cherche à grandir dans cette communauté. En 2017, Nindy rejoint la compagnie de danse Ebnfloh d’Alexandra “Spicey” Landé dans laquelle elle continue de développer son art. Elle jongle avec le hip-hop et le krump et la danse contemporaine à travers divers projets lui permettant de voyager au Canada, aux États-Unis et en Europe.

Lucy M. May est une artiste de danse contemporaine née au Nouveau-Brunswick et basée à Tiohtiá:ke (Montréal). Dans ses chorégraphies, dont Anima / Darkroom, Vivarium, et Esemplastic Landing, elle s’interroge souvent sur la façon dont les environnements se tissent dans le mouvement humain. Membre de la Compagnie Marie Chouinard de 2009-2016, Lucy continue à se produire de façon indépendante avec des artistes tels que Margie Gillis et Ariane Boulet. Diplômée de l’EDCM et des CODARTS, Lucy pratique Krump depuis 2016. Son travail a été programmé au Québec, en Ontario, au Nouveau-Brunswick, en Nouvelle-Écosse, en Alberta, en Saskatchewan, en Suède et au Royaume-Uni.

Off_Script est un rassemblement de “labb_session_discussion” (drop-in) qui vise à expérimenter l’improvisation de la danse en solo au-delà des limites du style, dans un cadre communautaire. Typiquement : 1ère moitié pratique autonome + 2ème moitié freestyle / échange d’improvisation. L’initiative originale Off_Script a été créée par Nindy Banks et Lucy M. May, et emprunte la forme de pratique “labb & session” qu’elles ont apprise dans les communautés Krump & Hip Hop de Montréal. Off_Script permet aux danseurs de tous horizons de développer leur improvisation et leur style libre en relation avec des musiques de différents genres. Lors de l’échange d’improvisation, le rôle d’observer est tout aussi important que celui de danser. L’encouragement de la personne qui danse, entre autres par la voix, anime, soutient et devient source d’inspiration.

Nindy Banks began her hip hop training in 2006 with several of the hip hop pioneers in Montreal and the United States. From 2010 to 2014, she danced for the 24K [Ör Pür] dance troupe directed by Cindy “GoldyLocks” McAuliffe. In 2015, she completed her bachelor’s degree in contemporary dance at UQAM, where she learned from internationally renowned contemporary dance choreographers. She also trains in Krump under the mentorship of Vladimir “7Starr” Laurore. She joins the 7*Skopez krump collective and seeks to grow in this community. In 2017, Nindy joined Alexandra “Spicey” Landé’s Ebnfloh dance company, where she continues to develop her art. She juggles with hip hop, krump and contemporary dance through various projects allowing her to travel around Canada, the United States and Europe.

Lucy M. May is a New-Brunswick-born Contemporary dance artist based in Tiohtiá:ke (Montréal). Her choreography, including Anima / Darkroom, Vivarium, and Esemplastic Landing, often asks how environments thread their way through human movement. Formerly a member of Compagnie Marie Chouinard, Lucy continues to perform independently with artists such as Margie Gillis and Ariane Boulet. A graduate of EDCM and CODARTS, Lucy has practiced Krump since 2016. Her work has been programmed in Quebec, Ontario, New Brunswick, Nova Scotia, Alberta, Saskatchewan, Sweden, and the UK.

Off_Script is a drop-in labb_session_discussion to experiment solo dance improvisation beyond the boundaries of style, in a community setting. Typically : 1st half autonomous practice + 2nd half freestyle / improvisation exchange. The original Off_Script initiative was created by Nindy Banks and Lucy M. May, and borrows the labb & session form of practice they learned through Montreal’s Krump & Hip hop communities. Off_Script is for dancers of all backgrounds to develop their improvisation and freestyle in relationship to music of different genres. During the improvisation exchange, the role of observer is just as important as that of dancer.  Encouraging the dancer vocally and otherwise, animates, supports, and becomes a source of inspiration.